Réalisation : Yves Caumon
avec Sandrine Kiberlain, Clément Sibony, Bruno Todeschini

Date de sortie : 25 janvier 2012

Distribution : Les Films du Losange

Après l’humour burlesque et fantaisiste de Cache Cache, le midi-pyrénéen Yves Caumon dessine, avec L’oiseau, le portrait intimiste et délicat d’une femme blessée qui s’éveille à la vie.

Porté par l’interprétation magistrale de Sandrine Kiberlain, ce troisième long métrage poétique étonne autant qu’il détonne dans un paysage cinématographique français trop prévisible. Sa force : suivre, une heure et demie durant, un personnage qui refuse toute dramaturgie.
Anne n’a pas d’amis, pas d’enfants, pas d’amants. Anne vit à Bordeaux, une ville que le réalisateur connaît bien, puisqu’il y a étudié la philosophie avant d’intégrer la Femis, et qui donne à cette histoire une atmosphère si particulière. Anne vit seule, déjeune seule, à l’écart de ses collègues, communique peu et refuse sans rougir les avances d’un jeune et séduisant cuisinier qui travaille à ses côtés. Anne a perdu le goût de vivre. Elle est devenue transparente. C’est une ombre qui traverse l’existence. Pourtant un jour son quotidien rationalisé se trouve bouleversé par un bruit inexplicable en provenance des cloisons de son appartement : un oiseau. Sitôt découvert l’animal s’invite chez elle et comble un vide intérieur.
Tourné essentiellement à Bordeaux et soutenu par la Région Midi Pyrénnées, L’oiseau prolonge la forme du conte déjà à l’œuvre dans Cache Cache. Plus contemplatif, il joue sur les longueurs, la langueur et la froideur de son héroïne. Bernard Blancan a laissé place à une Sandrine Kiberlain omniprésente, loin des rôles qu’elle interprète habituellement. Véritable co-équipière d’Yves Caumon, c’est elle qui a su donner un corps et un rythme à ce personnage mutique si touchant.

A tire d’ailes. L’oiseau s’ouvre sur la monotonie quotidienne de cette trentenaire. Les plans, souvent longs, se succèdent au gré de sa routine et de ses errances. Pas de dialogues, juste des sons captés et amplifiés comme le ronronnement des frigos ou le vrombissement d’un mixeur. La sécheresse du propos surprend d’autant que les mouvements de caméra, souvent circulaires, distillent une certaine douceur, un certain bien être. Anne n’est pas triste, ni mélancolique. Anne ne ressent rien. Une seule fois elle laisse échapper quelques larmes, pendant la projection de La vie d’O-Haru, femme galante de Kenji Mizoguchi. A l’écran, une mère voit passer son fils devenu empereur avec l’interdiction de manifester la moindre émotion. Dans cet unique moment d’oublie, Anne exprime la souffrance qui tiraille cette mère. Première craquelure d’une carapace bien épaisse, dans laquelle vient gratter un anodin volatile, réveillant des choses enfouies, une histoire plus lourde, plus douloureuse et jamais cicatrisée. Catalyseur du passé et du présent la tourterelle l’oblige à une confrontation. Chacune s’apprivoise et un besoin de liberté croissant s’exprime. La nature envahit alors l’écran et de l’eau naît une nouvelle thématique si chère au cinéma de Naomie Kawase. Délicat, L’oiseau nécessite de se laisser porter pour mieux se voir emporter.

Patrice Chambon

Réalisation : Rabah Ameur-Zaïmeche
avec Jacques Nolot, Christian Milia-Darmezin, Kenji Levan

Date de sortie : 25 janvier 2012

Distribution : MK2 Diffusion

Avec Les chants de Mandrin, Rabah Ameur-Zaïmeche refuse tout élan épique pour composer une ode aux esprits libres et un hymne puisant à ceux qui se lèvent contre leurs oppresseurs.

A ceux qui alléchés par le titre espéreraient découvrir batailles sanglantes et poursuites à cheval, passez votre chemin. Car si Les chants de Mandrin marquent bien une rupture formelle avec les œuvres précédentes de Rabah Ameur-Zaïmeche, les mêmes questionnements identitaires et frondeurs nourrissent ce film en costumes. Voilà dix ans que ce cinéaste s’est fait connaître avec Wesh Wesh, qu’est ce qui se passe?, formidable regard sur la banlieue. Puis deux longs métrages ont suivi, Bled Number One et Le dernier maquis, pour composer une remarquable trilogie sociale produite sans la moindre compromission artistique. Rabah n’a rien perdu de sa verve et s’il décide de filmer l’hier de la France, c’est pour mieux parler d’aujourd’hui, quitte à grimer les manœuvres en contrebandiers.
Nous sommes à la veille de la Révolution française. Louis Mandrin, célèbre hors la loi devenu héros populaire, vient d’être exécuté à Valence après avoir défié les fermiers généraux en vendant des produits de contrebande à des prix inférieurs aux leurs. Malgré sa mort, ses compagnons avec à leur tête Bélissard (Rabah Ameur-Zaïmeche et sa troupe d’acteurs d’origine maghrébine), décident de poursuivre leur commerce anti-autoritaire aux abords des villages. Ils organisent des marchés sauvages et vendent tabac, étoffes et livres prohibés dont Les Chants de Mandrin un recueil de poésies contenant les prémices de la République. Fasciné, un marquis pré-révolutionnaire (Jacques Nolot) et un imprimeur (le philosophe Jean-Luc Nancy) décident de les rejoindre dans leur combat.

Vive la contrebande. Tourné à la fin de l’automne entre le causse aveyronnais et l’Hérault, le film bénéficie de superbes paysages magistralement cadrés et éclairés, dans lesquels se fondent « les mandrins ». Véritable western néoréaliste, il joue sur les grands espaces et l’attente. Dans une démarche très radicale, Rabah Ameur-Zaimeche impose un rythme très lent à sa narration puis l’accélère brusquement en jouant des ellipses ou d’une montée de tension fictive. Ce chaud/froid produit une sensation de liberté inédite amplifiée par le fait que Rabah dirige ses acteurs comme Bélissard sa troupe : au jugé. L’improvisation domine et apparaît à l’écran. Ainsi le rire nerveux de Jacques Nolot face au sganarélien colporteur, les regards fuyant, l’incertitude de certaines situations ont survécu au montage et ce malgré une mise en scène très épurée. Des anachronismes s’émissent dans le récit comme ces vers de Rimbaud et Lautréamont. De cette sensation d’équilibre instable naît une formidable sensation : celle de voir le film respirer et s’écrire à l’écran devant nos yeux, quitte à perdre le spectateur. Reste ce final intense, celui de la Complainte dissonante de Mandrin porté à bout de bras par Jacques Nolot et ponctuée par l’entrée de Rabah dans la champs de la caméra scandant : «Je regardais la France » comme il dirait : «Mandrin, c’est moi !»

Patrice Chambon

Réalisation : Lech Majewski
avec Rutger Hauer, Charlotte Rampling, Michael York

Date de sortie : 28 décembre 2011

Distribution : Sophie Dulac Distribution

Ahurissant et sublime, Bruegel, le moulin et la croix de Lech Majewski plonge au cœur d’un tableau flamand pour en extraire les secrets de sa composition.

Plastiquement somptueux, ce nouveau long métrage du réalisateur polonais Lech Majewski –également photographe, poète, écrivain, metteur en scène de théâtre et d’opéra reconnu – surprend par son audace et l’ampleur de son propos. Pensé comme un véritable tableau vivant, il donne littéralement vie à une célèbre huile sur toile de Pieter Bruegel, « Le Portement de Croix », peinte en 1564. Sa particularité : une taille réduite, en comparaison de la densité des scènes qui s’y déroulent. Malgré ses 1,70 m sur 1,24 m, pas moins de 500 personnages, certains d’à peine un millimètre, s’y pressent en direction du Golgotha. Aujourd’hui exposée au Kunsthistorisches Museum à Vienne, l’œuvre, qui relate un épisode de la Passion du Christ avec en fond la chronique tourmentée d’un pays en plein chaos, nécessite l’usage d’une loupe pour en parcourir les détails. Grâce à Lech Majewski, pas besoin de verres grossissants, les personnages ont pris taille humaine. Un long et lent travelling latéral à droite puis à gauche permet de saisir tout l’espace de la toile et d’en entrevoir l’immense profondeur de champs. Le générique s’ouvre alors et l’on entre dans le tableau pour suivre le parcours d’une douzaine de personnages, l’espace d’une journée, au temps des guerres de religions. Leurs histoires s’entrelacent, en silence, dans les vastes paysages peuplés de villageois et de cavaliers rouges. Parmi eux Bruegel (Rutger Hauer), son ami le collectionneur Nicholas Jonghelinck (Michael York) et la Vierge Marie (Charlotte Rampling).

Toile d’araignée. Le cinéma et la peinture ont souvent entretenu des rapports étroits, mais Bruegel, le moulin et la croix offre une dimension supplémentaire. Pas de biographie, ni de pinceaux en action, mais une réflexion sur l’art de composer, de tisser pour capturer le regard du spectateur dans sa toile. Or, « Le Portement de Croix » reste énigmatique. Pourquoi le peintre a-t-il dissimulé la figure du Christ ? Pourquoi donner une telle importance à un moulin ? Pourquoi cette Passion au XVIe siècle ? C’est cela qui a conduit l’historien d’art Michael Gibson a analyser le tableau dans « The Mill and The Cross ». Cet essai a servi de basse à ce long-métrage contemplatif qui a su renouveler la façon de parler d’art au cinéma. Pionnier d’une nouvelle technique, parfois inaboutie, mêlant prises de vues réelles, 3D, reproduction de toiles peintes et images de synthèses, Lech Majewski nous invite dans un tableau où des personnages peints, incarnés par des acteurs tout en retenus, s’animent et dramatisent l’intrigue. Les cadres se meuvent, le temps se dilate et des sons s’échappent de la toile. Le peintre décrypte le symbolisme de son tableau et de sa composition à l’aide d’esquisses. Jamais ennuyeux, ni pompier, Bruegel, le moulin et la croix prolonge le plaisir éprouvé devant la série Palette d’Alain Jaubert et conclut l’année sur une merveille d’ingéniosité.

Patrice Chambon

Réalisation : Aki Kaurismäki
avec André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Pierre Etaix

Date de sortie : 21 décembre 2011

Distribution : Pyramide Distribution

Après Les Lumières du faubourg, Aki Kaurismäki délaisse, avec Le Havre, tout pessimisme pour un humanisme vertueux. Véritable conte philosophique moderne, c’est par l’absurde qu’il y dénonce le sordide.

Ponctuée de clins d’œil à Marcel Carné, Jacques Becker ou René Clair, Le Havre se présente comme une chronique sociale contemporaine décalée sur l’immigration, une oeuvre optimiste sur fond de traque des sans-papiers. Celle menée par le commissaire Monet (Jean-Pierre Darroussin) contre un jeune africain recueilli par Marcel Marx (André Wilms), ex-écrivain devenu cireur de chaussures. Cet homme sans histoire, menant une vie agréable et rangée entre l’amour de sa femme Arletty (Kati Outinen, actrice fétiche de Kaurismäki), son travail et le bistrot du coin, voit son quotidien bousculé par l’arrivée de ce clandestin. Cette rencontre fortuite provoque son réveil social. Présenté ainsi, Le Havre pourrait être rapproché de Welcome de Philippe Lioret pour qui ne connaîtrait pas le cinéma d’Aki Kaurismäki, absent des écrans pendant cinq ans et qui tourne là son premier film en français. Si la prise de conscience reste la même : le sort indigne réservé aux réfugiés sur le territoire européen, le traitement diffère. Pour le cinéaste finlandais, le burlesque apparaît comme la réponse la plus appropriée. A commencer par le traitement du Havre. Si le cœur de l’action se situe bien au sein de cette citée, c’est une ville déréalisée, perçue à travers le prisme déformant du réalisateur qui jaillit à l’écran. C’est un port, celui de Quai des brumes, des boutiques à l’ancienne et des maisons humbles où s’entrechoquent les années 1950 et 2000.

Poésie graphique. Le Havre parle d’immigration, de racisme, de solidarité et de résistance sans fioriture ni didactisme. Même s’il fait référence à une actualité brûlante, le cinéaste s’empare du sujet avec minimalisme et distance, un peu comme Fassbinder, l’humour en plus. Rien d’étonnant alors à ce que Pierre Étaix, dernier héritier du burlesque à la française, figure au générique. Aki Kaurismäki aime le cinéma, Chaplin (le film est un hommage au Kid), Ozu, Melville ou Jacques Tati. Loin d’une apparente désinvolture, le réalisateur apporte un soin méticuleux aux cadres (longs plans fixes), à la lumière, aux couleurs et aux dialogues aussi brefs que subtiles. Quelle meilleure arme que l’humour pour dénoncer les préjugés ou l’indifférence et amener une prise de conscience ? Au pessimisme ambiant, Aki Kaurismäki oppose le comique et la solidarité de classe. Le Havre se déguste alors comme une fable grinçante sur le rapport à l’autre. Loin de tout manichéisme, une confiance en l’homme s’affirme. C’est lui qui, au final, peut triompher, s’il s’en donne la peine, face à la mécanique aveugle de l’appareil d’Etat. Et dans ce havre de paix, c’est Little Bob, l’Elvis du Nord, qui rythme la contestation. Mélodrame révolutionnaire, Le Havre touche à l’universel et bouleverse par son regard délicat.

Patrice Chambon

L’événement sera la sortie du nouveau film de David Fincher : Millenium, en sortie nationale le 18 janvier.

A part cela, beaucoup de bons films dont L’Empire des Rastelli de Andrea Molaioli avec Toni Servillo, qu’un certain nombre d’entre nous ont découvert, avec bonheur, lors du dernier festival des Rencontres du cinéma italien à Toulouse.

Sans oublier le dernier film de Lech Majewski (futur invité du cinéma dans le cadre du festival polonais), Breugel le moulin et la croix (dont on reparle dès la semaine prochaine) une splendeur, que tous les amateurs d’art en général et donc de cinéma apprécieront.

Quant au festival polonais, il s’annonce passionnant, avec non seulement des nouveautés, mais aussi, en reprise, des films de Wajda, Kieslowski…

Et puis, Rithy Panh et Jean-Pierre Denis (entre autres) seront de passage par ce cinéma indispensable.

Coincé entre deux multiplexes, Le Balzac se trouve menacé car aujourd’hui ses programmateurs n’ont plus accès aux films porteurs. Et quant ils parviennent finalement à en obtenir un, ils ne font pas assez d’entrées. Résultat, la fréquentation est au plus bas et les comptes de la société sont nettement dans le rouge. Devant cette situation préoccupante l’équipe du Balzac à choisi de réagir.

“Notre problème principal“, explique Jean-Jacques Schpoliansky, propriétaire du Balzac, “c’est l’accès aux films. L’exploitation de films en première exclusivité est le cœur de notre métier et représente plus des deux tiers de notre chiffre d’affaires (le reste, qui marche plutôt bien, provenant de séances exceptionnelles : ciné-concerts, soirées opéra ou Pochette Surprise, de la privatisation des salles et de recettes annexes type publicité, bar, confiserie…). C’est donc sur cette question de la programmation que nous devons nous battre.”

“Pendant des années“, insiste Jean-Jacques Schpoliansky, “nous avons gardé une ligne de conduite simple et claire : nous ne prenions de films au Balzac que si nous étions seuls sur les Champs-Elysées. Nous obtenions ainsi des films d’auteur qui suffisaient à nous faire vivre plus ou moins bien selon les années. Aujourd’hui, la donne a changé. D’une part parce que le public tend à se concentrer très fortement sur de moins en moins de films. Et d’autre part parce que les circuits veulent tout, y compris la plupart des films art et essai qu’ils nous laissaient auparavant. Nous devons donc nous adapter à cette situation nouvelle et forcer UGC et Gaumont à partager certains films avec nous, mais pas à n’importe quelle condition. Nous allons donc continuer à tenter d’obtenir le maximum de films comme salle unique sur les Champs-Elysées et demander d’être, pour certains films bien choisis, la deuxième salle sur le quartier.”

La confiance sans faille de distributeurs comme Diaphana leur ont permis de pouvoir exploiter seul sur les Champs-Elysées, Les Neiges du Kilimandjaro de Robert Guédiguian, Tous au Larzac, le beau documentaire de Christian Rouaud, Hara-Kiri de Takashi Miike ou Il était une fois en Anatolie de Nuri Bilge Ceylan. Alors amis parisiens, venez les voir au Balzac !

Cinéma le Balzac, 1 rue Balzac, 75008 Paris

En ces périodes de fêtes, Carlotta films à l’excellente idée de ressortir sur grand écran le formidable film d’aventures de Ludwig Berger, Michael Powell et Tim Whelan : Le voleur de Bagdad. Réalisé en 1940 (mais distribué en France en 1946) et interprétés par Conrad Veidt, June Duprez et l’inoubliable Sabu, cette féérie sur pellicule devrait aisément ravir petits et grands.

Le point de vue de Gérad Lefort dans Libération : “Joie et félicité : le Voleur de Bagdad ressort en copies restaurées. Cette merveille, cosignée en 1940 par Ludwig Berger, Michael Powell et Tim Whelan, méritait de reprendre des couleurs. Et quelles ! Car il n’y est question que de mystères chatoyants et de contes fantastiques. Génie enfermé dans une bouteille, cheval mécanique transformé en jouet-Pégase, tapis archivolants, grotte mystérieuse gorgée d’assassins fourbes, grand vizir immonde et petit voleur malin. Dans le rôle du petit voleur, on aime le jeune Sabu (bientôt Mowglidans le Livre de la jungle) et dans celui de l’atroce vizir, on adule le faramineux Conrad Veidt, star du cinéma allemand (le Cabinet du docteur Caligari de Robert Wiene, 1920), passé à Hollywood et qui décédera en 1943. Bref : Tous au Voleur de Bagdad qui venge de n’importe quel Disney de Noël.“